Cine de arte o cine comercial

Por: Amante de la cultura y las artes

Durante los años 30, las películas que se realizaron en Hollywood se preocuparon más que nada de exaltar la fantasía, por lo que otro sector se encargó de darle al cine un toque de seriedad y realismo. Así es como nace el cine arte, mayoritariamente europeo, con películas como la alemana El ángel azul (1930), de Josef von Sternberg, que dio a conocer a Marlene Dietrich; o La gran ilusión (1937), de Jean Renoir, considerada una de las grandes películas antibélicas de la historia del cine.

Sin embargo, este tipo de cine se trasladó a Estados Unidos, cuando un cineasta, escritor, director y actor, Orson Welles, sorprendió al mundo con su primer filme con nuevos encuadres, objetivos angulares y efectos de sonido, que ampliaron considerablemente el lenguaje visual del cine. El Ciudadano Kane (1941) es considerada por los críticos la mejor película de la historia.

Hay una gran diferencia entre el cine comercial y el cine arte. Los elementos distintos entre un tipo de cine y otro están en las temáticas, pero mayoritariamente en el sentido final del ingreso: si el objetivo primario no es contar una historia sino llenarse el bolsillo de billetes, estamos hablando, entonces, de cine comercial; es decir, la idea principal es la de generar dinero, no difundir el valor artístico de una expresión audiovisual. Si, por el contrario, se trata de una película con una trama bien estructurada, sin ningún vacío o algún relleno innecesario (como explosiones, por ejemplo), estamos hablando de cine arte.Obvio que no es tan simple, pues un documental entonces entraría en la categoría de cine-arte al no querer recaudar millones y millones; pero creo que la diferencia es auto-explicativa. Si el tema/guión/historia narrada/moraleja aspira más al dinero que ingresará que a la lección o sentimientos que quiere provocar en quien ve la cinta, entonces es cine comercial.

Si hay muchos millones invertidos es porque se sabe que se recuperará, de modo que el cine comercial se distingue por el presupuesto invertido.Otra forma de verlo es el país de origen: la gran mayoría del cine europeo que sale a todo el mundo es cine "más artístico" que el de Estados Unidos y en este país, si es de bajo presupuesto y temática más arriesgada, se le suele decir "indie", pues es producido por directores independientes los que no cuentan con el respaldo de grandes conglomerados (Warner, Metro Golding Mayer, por nombrar algunos) que ponen millones de dólares para la producción, sino historias buenas o propuestas que se salen de los cánones convencionales.

Tanto el cine arte como el comercial deben ser apreciados si es nuestro deseo y ser expuestos ante nuestros ojos críticos. Después de todo, vamos al cine a divertirnos y no a fabricar confusos y complejos análisis.

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Artes Escénicas

Por: Amante de la cultura y las artes

Las artes escénicas son el estudio y la práctica de toda forma de expresión capaz de inscribirse en el universo del Teatro, la Danza y la Música; y en el mundo del espectáculo en general.

Llamamos sala de espectáculos a cualquier espacio arquitectónico construido especialmente para realizar en él cualquier tipo de espectáculo en vivo, ya sea teatro (drama), danza, música, etc.
Este espacio, aparte de notables diferencias producidas por los distintos conceptos que del espectáculo se han tenido a lo largo de la historia, mantiene inalterable una cierta disposición de ámbitos dependiendo de la utilización que de ellos se haga. Nos referimos a aquellas zonas que van a albergar los dos elementos esenciales para que el espectáculo se produzca: los actores y el público. Cada uno de dichos elementos, necesita de su propio espacio, delimitado, para desarrollar con la mayor comodidad posible la actividad para la que está destinado.

El artista con sus movimientos, expresión corporal, gracia, agilidad, destreza, técnica, habilidades, gestos, timbres de voz, pausas, diálogos, monólogos, cantos, silencios, miradas, quien expresará el sentimiento, el valor de la obra desde el punto de vista estético para que el público reciba, vibre, se emocione, admire o no, su expresión artística.

Recae sobre el artista un gran compromiso, una gran responsabilidad, pero a la vez, es imprescindible una gran vocación de comunicación, comunicación original, auténtica con el público y en fidelidad con la obra.

El éxito luego de arduas jornadas de trabajo personal y en equipo, concentración, esfuerzo, sacrificios, ensayos de las artes escénicas, conocimiento técnico, superación diaria en relación a sí mismo, y una coordinación de los diversos aspectos y para disponer y preparar la representación de la misma.

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Relación Entre Pintura y Música

Por: Amante de la cultura y las artes

Desde la Antigüedad, los músicos aprovecharon el lenguaje colorista para traducir sus conceptos abstractos; de hecho, son múltiples los préstamos semánticos que un arte ha hecho al otro. El color, croma entre los griegos, es una palabra que se utiliza como equivalente de timbre. El adjetivo brillante, una cualidad indiscutible del color, es empleado por los músicos en el sentido de nítido.

No obstante, aunque los ejemplos sean menores, lo mismo sucede a la inversa, pues los términos tono y armonía fueron una herencia que la música hizo a la pintura. A la llamada en música, escala cromática, Rousseau explicaría: “... la escala cromática está en medio de la diatónica y la enarmónica, así como el color está entre el blanco y el negro. O bien porque el cromatismo embellece al diatónico con sus semitonos, que logran, en música, el mismo efecto que la variedad de los colores tienen en la pintura”. Además es éste quien aplacó los ánimos de sus contemporáneos al señalar que los sonidos no pueden identificarse solos, separando unos de otros, tal y como sucede con los colores. Goethe, en su monumental Esbozo de una teoría de los colores, advertía que el color y el sonido no se prestan a comparaciones y expresó su respeto a quien, genialmente, lo lograse; no sin antes advertir el peligro que implicaba la mano de la ciencia en el mundo del arte: “La ciencia puede destruir a la música positiva, desarrollada de estéticas y geniales, en gracia de un tratamiento físico”.

Dentro de este debate los románticos se interesaron en las afinidades y discrepancias existentes entre las dos disciplinas. Músicos de la talla de Wagner relacionaban el color con la expresión musical, y Chopin decía que la lógica de sucesión de los sonidos, que él describía con un término extraído de la física del color, reflexión aureolar, era un fenómeno análogo a las reflexiones de los colores. Las fronteras entre la música y la pintura se difuminaron todavía más en el Romanticismo, cuando se avivó la pasión por el cromatismo y proliferaron las composiciones del tipo pintura musical o música de programa, en las que se toma como base una representación extramusical, frecuentemente pictórica, narrativa o poética, y ésta queda descrita en los programas de mano que se reparten entre el público.

Henri Matisse era violinista, lo mismo que Paul Klee. Este último opinaba que la música y la pintura vivían en épocas distintas y, por lo tanto, eran artes desfasadas. Dado que la música ya había resuelto el problema de la abstracción en el siglo XVIII, la pintura tendría que comenzar por el barroco y superar la confusión que trajo la música programática del siglo XIX. Otro maestro de la Bauhaus, colega de Kandinsky y de Klee, Johannes Itten, crearía un sistema dodecafónico, dividido en colores calientes para las quintas y en colores fríos para las cuartas.

Como se ve, muchos pintores encontraron en el lenguaje musical la descripción exacta de sus imágenes coloreadas, sobre todo aquellos simbolistas que buscaron crear un cuadro sin ningún objeto reconocible en él; lo que ocurre también viceversa. Como anécdota al tema se puede mencionar el ambicioso proyecto de Henri Lagresille, llamado método de Lagresille en su honor, que trata de traducir obras maestras de la música clásica en cuadros de color, asignando equivalentes de estos a ciertos acordes y movimientos musicales, que hicieron de una tocata de Bach un espléndido mosaico multicolor de suaves celestes y fuertes púrpuras.

Otra opinión que resulta interesante tratar es la que en la década de los sesenta y desde los linderos del estructuralismo, defendía Claude Lévi-Strauss, al ser muy claro al diferenciar que la pintura y sus colores imitan a la naturaleza, en tanto que la música opera en forma totalmente distinta. En Lo crudo y lo cocido, Lévi-Strauss escribe que para los colores solemos proceder con la ayuda de metonimias implícitas - amarillo paja, azul petróleo, verde agua, negro carbón, rojo cereza, etc.- “como si tal amarillo fuese inseparable de la percepción visual de la paja, o tal negro de calcinación del marfil que lo origino”.

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Artesanías de Guatemala

Por: Amante de la cultura y las artes

La artesanía de Guatemala es la expresión mas genuína de sus habitantes originales,y gran soporte del sustento de las comunidades de este maravilloso país de Centro America.

Dotadas de una vocación al bordado y al teje y maneje de los mas hermosos colores, las comunidades mayas distribuidas por las montañas de ese hermoso país se dedican sin pausa a la producción de artesanías textiles que van desde sus tradicionales huipiles y cortes (paños rectangulares que usan como faldas), pasando por una variadisima diversidad de bolsos, morrales,mochilas, pasaporteras, tejidos insuperables en mostacillas, hasta las mas bellas mantas, colchas, manteleria, chales y bufandas; máscaras, piedras y maderas talladas, etc.

La variedad de artesanías es impresionante y se destaca su muestra en los mercados artesanales en donde se exponen artesanías de varias comunidades como Nevaj, Todos los Santos, Sololá, Zunil y muchas otras.

Aparte de las artesanías tradicionales, exponen ahi mismo muchos artesanos de otros países que ahi viven, o que transitan por las rutas mayas, artesanos contemporáneos, con excelentes joyas, cerámicas, bijouteries, etc. Dada esta producción colorida, bellisima, de precios excelentes, es altisima la demanda y por lo mismo operan desde Guatemala empresas transportadoras que viabilizan el tema exportación a partir de los 100kgs. Tambien se utiliza el correo local para envios menores.

Antigua, a 40 minutos de la Ciudad de Guatemala, es otro de los lugares donde se puede apreciar la artesanía maya, pero en muchos casos diseñada y dirigida por gente cosmopolita, dándole un toque de refinamiento proyectado a un público mas exclusivo. El resultado es exquisito y más costoso. Tambien es ahí donde se lapida el jade, y varias joyerías exponen trabajos maestros de joyeria con esta piedra nacional.

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Arte Digital

Por: Amante de la cultura y las artes

El Arte Digital es una disciplina creativa que comprende obras en las que se utilizan elementos digitales en el proceso de producción y/o en su exhibición.

En sus inicios, al contrario del resto de obras artísticas que se manifestaban sobre un soporte analógico:(lienzo, instrumento musical, material escultórico...) las obras de arte digital se manifiestan mediante soportes digitales o al menos tecnológicamente avanzados.

Hoy por hoy el arte digital se encuentra expresado de muchas maneras. El cine y los video juegos son una de las más difundidas, pero al mismo tiempo pasan más desapercibidas que el resto. Los paisajes creados digitalmente en algunos de estos casos llevan más horas-hombre que muchas de las pinturas más conocidas del mundo y, al igual que éstas, expresan tanto sentimiento, técnica, sensibilidad y dramatismo.

A modo de ejemplo, el arte digital puede apreciarse en diversos ámbitos como cine (El señor de los anillos), animación 3D (Shrek), etc.

Una de los puntos fuertes del arte digital es su capacidad para crear mundos alternativos, aunque no físicos, como forma de expresión (al igual que otras ramas artísticas), pero con una realidad excepcional. Para ello se emplean técnicas diversas, como el modelado 3D, la programación de la física del entorno y los comportamientos de los objetos de ese entorno 3D.

El Arte Interactivo va ligado al arte digital., pero no son dependientes el uno del otro. Una de las ventajas de la interactividad con medios digitales es que permite una interfaz ‘ergológica’ de comunicación con la obra. Permite, por ejemplo, interactuar con un video mediante el movimiento del cuerpo, captado por sensores y aplicarlo a pantalla que estamos viendo en el tiempo real. No es hasta 1980, que ésta técnica expresiva se populariza.

La Infografía es Arte Digital ya que es digital desde el proceso de creación hasta el modo en que se me muestra: en monitor, gafas 3D, etc.

Otra ventaja del arte digital es la posibilidad de generar la obra según unos parámetros variables establecidos por el artista. El componente digital, generalmente un ordenador, efectúa cálculos para crear por ejemplo una imagen, un sonido combinando los parámetros programados con un componente de aleatoriedad.

Tras el surgimiento de esta nueva disciplina artística se pueden plantear dudas e interferencias con otras disciplinas artísticas que hacen un uso intensivo de tecnologías digitales. El caso más claro es el caso de la música, que desde hace décadas depende tanto para su composición como para su difusión y proyección de medios digitales. ¿Es acaso también arte digital?. La respuesta parece ser que no del todo, al menos por el momento, pero la tendencia es que cada vez se acerca más a ésta, sobre todo en la música puramente electrónica.

El arte digital es un concepto bastante debatido en los círculos artísticos, y rechazado con frecuencia por algunos puristas, que lo catalogan más como una habilidad técnica que una manifestación artística, aunque esta actitud puede (y suele) provenir de un completo desconocimiento del arte computarizado.

El arte digital no son simples gráficos. No es dependiente sólo de técnicas y ecuaciones matemáticas expresadas en forma de imágenes (como los fractalese), sino que es un arte humano, expresión de sensaciones, ideas, búsquedas personales, visiones en forma gráfica y expresadas usando un medio informático como herramienta, del mismo modo que durante siglos se ha usado el lienzo, la pared o la piedra.

La creación artística por medios informáticos desencadena toda una serie de novedosos problemas, entre ellos la relación del cuerpo (específicamente los sentidos) del artista, y su medio de creación. Ejemplo de lo anterior es la consideración del papel jugado por el sentido del tacto, durante el proceso de creación artística digital. Aquellas expresiones plásticas en las que, se sustituyen (o enriquecen) el tradicional lienzo por el monitor, y los pinceles de madera por el "mouse", implica una inusitada relación entre artista, medios, técnica y obra.

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Cine mudo

Por: Amante de la cultura y las artes

La idea de combinar las imágenes con sonido grabado es casi tan vieja como la cinematografía en sí, pero hasta finales de los 20, la mayoría de las películas eran mudas. Este periodo anterior a la introducción del sonido, a través del sistema Vitaphone, se conoce como la "era muda" o el "período silente".

Después de el estreno de la película El cantante de jazz, las películas habladas se volvieron más y más triviales, y diez años despues el cine mudo practicamente desapareció. La era del cine mudo a menudo es referida como "La Edad de la Pantalla de Plata".

La primera película muda fue creada por Louis Le Prince em 1888. Era un filme de dos segundos que mostraba a dos personas caminando alrededor del jardín Oakwood Grange, se tituló El Jardín de Roundhay.

El pionero director de cine francés Abel Gance fue el cerebro que creó muchas de las mejores películas mudas de las décadas de 1910 y 1920. Dos de sus películas de los años veinte, la épica La rueda (1923) y Napoleón (1927), sobresalen de modo especial por el innovador trabajo de cámara. Más tarde utilizó el efecto de triple pantalla llamado Polyvisión.

El arte de la cinematografía alcanzó su plena madurez antes de la aparición de las películas con sonido, a finales de los años 20. Muchos eruditos sostienen que la calidad estética del cine disminuyó por varios años hasta que directores, agentes y el personal de la producción adaptaron al nuevo "cine hablado". La calidad visual de las películas silenciosas -especialmente las producidas durante los años 20- era a menudo extremadamente alta. Sin embargo, hay una falsa y muy frecuente idea, de que estas películas eran primitivas y apenas visibles comparadas con los estándares modernos. Esta falsa concepción es debido a que tales películas presentaban errores técnicos (tales como películas que son repetidas a la velocidad incorrecta) y debido a la condición deteriorada de muchas películas mudas (muchas grabaciones existen solamente gracias a las copias de la segunda o aún tercera generación que fueron hechas, debido a que el filme original estaba ya dañado y descuidado).

Uno de los exponentes más sobresalientes de cine mudo fue Chaplin, quien era un cómico genial cuyos trabajos darían brillo a la pantalla. Su sola presencia era suficiente para asegurar el éxito comercial de una película. Fue la primera estrella internacional y una leyenda viva desde su juventud, rompiendo con cada nueva producción los récords de taquilla anteriores. Su personaje del vagabundo Charlot mezclaba de una forma única la comedia sentimental, la sátira social y el patetismo de la naturaleza humana, convirtiéndose en un arquetipo universal. Este personaje fue creciendo a lo largo de sus películas El vagabundo (1915), Vida de perros (1918), El chico (1921) y La quimera del oro (1925). Con la llegada del sonoro, los productores se niegan a estrenar Luces de la ciudad (1931), pero él lo hace por su propia cuenta y vuelve a romper todos los récords de taquilla, éxito que repite con Tiempos modernos (1936), sátira contra la automatización del trabajo, y El gran dictador (1940), primer filme hablado de Chaplin, una oportuna burla de los dictadores de aquella época que le trae, sin embargo, enemistades entre los sectores más reaccionarios del poder estadounidense, obligándole a abandonar el país en la década de 1950, cuando la `caza de brujas' promovida por McCarthy siembra la sospecha y la desconfianza hacia los cineastas progresistas. Mucho antes, en 1919, tras sus primeros éxitos, Chaplin, junto con D. W. Griffith y los dos actores más famosos del momento, Mary Pickford y Douglas Fairbanks, habrá formado la productora United Artists, precursora del star system —aunque en su caso y el de Griffith además de estrellas eran los auténticos creadores y productores—, e iniciadora de la época de oro del cine mudo en Estados Unidos.

Otra exponente del cine mudo fue Greta Garbo, quien empezó su carrera en la época del cine mudo, y su paso al cine sonoro se produjo con éxito a principios de la década de 1930. Sus principales películas fueron Mata Hari (1932), Ana Karenina (1935) y Ninotchka (1939). Esta última se promocionó con la frase "¡Garbo sonríe!" debido a que era una estrella conocida por su talante serio. El fotógrafo Edward Steichen le hizo esta fotografía en 1928 para la revista Vanity Fair.

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Arte Animalista

Por: Amante de la cultura y las artes

El Arte Animalista es por lo menos tan antiguo como la humanidad o, como dicen los críticos de arte, existe desde que el hombre comienza a formalizar el concepto de Arte. El Arte Animalista ha acompañado al hombre desde sus primeras manifestaciones estéticas, volviéndose con el pasar de los siglos un verdadero género artístico autónomo.

Su importancia se fue transformando a lo largo de la historia, dependiendo de las situaciones y de las ideologías dominantes en las diferentes épocas y en las diferentes culturas. De la historia del arte aprendemos que los animales han sido objeto de representación figurativa desde el lejano Paleolítico.

A pesar de esto, ningún crítico de arte le ha atribuido nunca a la corriente animalista, el mismo valor asignado a otras corrientes temáticas. Sin embargo, ilustres maestros se han dedicado a este “género”; es suficiente recordar, entre los principales, a Albrecht Dürer, Stefano Della Bella, Eugène Delacroix, Giovanni Fattori. El mismo Picasso aparece en algunos diccionarios como “artista animalista”.

Con base en unas razones histórico-culturales, uno de los filones del arte animalista internacional es el Arte Fáunico o Wildlife Art.

El Arte Fáunico o Wildlife Art, cuenta hoy en día con el mayor número de apasionados tanto entre los autores como entre el público. La razón es evidente: la gran mayoría de los amantes de la naturaleza siente una profunda admiración por las formas y los colores naturales de los animales, hasta el punto de sentirse espontáneamente inducidos a reproducirlos o a volverlos a admirar en las imágenes que los retratan. Dicho sentimiento primordial, inmediato, “natural”, se refleja por instinto en las obras de la mayor parte de los artistas Fáunicos. Esto explica la orientación dominante de la corriente: el realismo testimonial.

Para los artistas que se dedican a este “género” en una perspectiva de búsqueda de nuevas fuentes de inspiración, la naturaleza sigue siendo la única grande maestra, así como lo es para todas las corrientes naturalistas que se han sucedido en el escenario de la historia.

El Arte Fáunico representa una de las mayores interpretaciones del naturalismo moderno. El asunto común a todo el pensamiento Fáunico podría sintetizarse en la siguiente frase: el arte pertenece a la esfera natural, y se revela al hombre sensible y atento a los estímulos provenientes de la naturaleza silvestre. Un este marco interrelativo, la tarea fundamental del artista es la de imitar, con juicio y cognición, el objeto físico de su inspiración para sentir, una vez frente a la obra terminada, la misma idéntica emoción que sintió al momento de su concepción.

En el plano teórico, el Arte Fáunico se plantea como un arte conservador y contemplativo, oponiéndose así tanto al pensamiento refundicionista como al pensamiento reformista de las corrientes de vanguardia.

Pero esto no significa quedarse en posiciones anticuadas, sino que por el contrario, para los artistas Fáunicos el arte debe continuar la búsqueda finalizada ya no al conocimiento sensible de la experiencia visual por sí misma, sino al conocimiento sensible de la naturaleza; debe continuar a plantear diferentes valores en los que quede bien clara la voluntad de volver a fundar la sociedad con base en una relación diferente con la naturaleza, que no se limite al respeto sino que se sublime en la contemplación.

Para la ideología Fáunica, el arte naturalista no es cultura residual de un mundo en vía de extinción, así como la naturaleza silvestre es el residuo de un mundo que va agotándose inexorablemente; no se plantea como una poética de la decadencia. El naturalismo es una cultura que no se puede morir, porque en cualquier lugar en donde esté un hombre capaz de mirar, habrá una naturaleza capaz de dejarse admirar.

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